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画射手座

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爱德华·蒙克(Edvard Munch)自画像

蒙克(Edvard Munch,1863年12月12日-1944年1月23日,射手座),是具有世界声誉的挪威画家,蒙克被称为“现代表现主义之父”,他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料,德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。他对心理苦闷的强烈的,呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。

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蒙克的苦难童年和家庭悲剧,使他的心灵深受伤害,在他5岁那年,母亲因患肺结核而去世,姐弟五人由姨母代养,母亲去世后,父亲难过得好几天没有走出家门,他抑郁的神经强烈地感染了失去母亲的蒙克,这是他一生中首次感受到死亡的恐怖。`灵`感家蒙克13岁那年,年长两岁的姐姐也因肺病去世。蒙克与姐姐关系十分相好,感情极深,她的死再次刺激了蒙克的神经。接下来他的妹妹也患了精神分裂症。这一系列的打击所引发的伤痛,深深地印在了蒙克的内心里,决定了蒙克的性格和他前半生创作的基调。从他的《病中的孩子》、《母亲之死》和《在灵床旁》等作品中我们能很清楚地看到这一点,这样的经历对他后来的艺术产生了重大影响,并在随后创作出其极具特色的代表作《呐喊》。

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打呵欠女孩

22岁时,蒙克来到巴黎,并参加“新艺术运动”的设计和讨论活动,开始转向表现主义。此后,他长期居住在德国柏林,45岁时由于患上精神分裂症,回到挪威定居。蒙克对表现主义影响最深的是居住在柏林18年中的创作活动,他堪称是表现主义的创始性艺术家,为德国表现主义的发展开辟了新路。

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爱德华·蒙克《 嫉妒》1

注: 蒙克绘制了好几幅表达嫉妒题材的绘画,画面中最前方的男子都有着以蒙克的一位波兰诗人朋友为原型的的非常有个性的胡子。

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爱德华·蒙克《 嫉妒》2

蒙克不仅绘画功底深厚,同时也很擅长作壁画,其中最有名的一幅壁画是他为位于卡尔约翰大街老奥斯陆大学奥拉(Aula)大礼堂绘制的一幅名为《日出》的壁画。 蒙克于1944年病逝。根据蒙克本人的遗嘱,把其个人所有的绘画作品无偿捐献给奥斯陆市政府,市政府为此决定专门拨款为蒙克的画作建一博物馆,取名为“蒙克博物馆”。蒙克博物馆自1963年建成开馆,收藏了包括蒙克遗嘱捐赠、蒙克妹妹捐赠和其他渠道收集到的1100多幅油画、4500多幅素描、18000多幅设计和6座雕塑作品,成为蒙克艺术藏品最为丰富的博物馆。

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蒙克在其艺术生涯中,并非墨守成规,一成不变,而是随着不同哲学和美学思想的影响和生活环境变化而改变艺术风格。在19世纪80年代,蒙克受导师克罗格和当地虚无主义代表人物汉斯·耶格的影响,自然主义和波西米亚式的虚无主义占上风。在巴黎之行与印象派的亲密接触后演变成了印象派风格。1892年,在高更、梵高等人的影响下,蒙克树立了具有个人特色的综合性原始画风。19世纪90年代,蒙克倾向于选择景深较浅的类似于平面空间作画,他经常把画中的人物安置在前景,突出主体性和内心世界的张扬。

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盛夏

蒙克一直想表现人物内心的心理状态,出现在他画中的人物呈现了最能表现这种状态的姿势,这种安排让蒙克的画带来一种好像人物、空气、记忆、动作和时间在一刹那间凝固的感觉,那也许正是人物内心活动达到顶峰的一瞬间。

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女人三阶段1

由此蒙克认为:“表现自然外部的印象派并不适合于自己的艺术。”他对描写现实的任意场景和外部状态不感兴趣,他希望描写的是那种充满了情绪内涵的,且具有巨大传神力的内心状态和冲击力的心理情感。

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女人三阶段2

为了达到这个目的,蒙克殚精竭虑地构思,他的多数作品都创造了悬而未决和紧张不安的神秘气氛,让人无从判断和知晓当前的行为目的和意义,未来的结局和变化方向。他那深含神秘主义的和象征主义的色彩的表现主义画风受到当时德国、奥地利等年轻艺术家的热捧,对德国、奥地利表现主义和象征主义艺术的发展起到了思想启迪和表现技法的指引性作用。

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生命中的四个阶段

蒙克的作品曾在欧洲引起强烈反响和巨大争议。一些评论家认为这些完全是颓废和低俗的艺术。但另一些评论家则认为蒙克的作品“无情地摒弃形式,简洁、优雅、整体和现实,完全以艺术天赋本能地洞察和表现心灵。”

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阿尔斯加德街上的四个女孩

蒙克在自己漫长的一生中,创作了大量带有强烈悲剧意味和感情色彩、描写反映人类普遍意义的真实心灵的油画、木板、石板、雕塑等艺术作品。蒙克所描述的世界是人类复杂的精神世界,他刻意表现生命、死亡、痛苦、忧郁和孤独,描写世纪之交的艺术家们在充满矛盾与痛苦的现实中挣扎,其孤独的心灵对人生产生的怀疑和焦虑。

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弗里德里希·尼采

在蒙克生活的时代,再没有别的艺术能够像他那样深入将艺术探究到人的灵魂深处,把那心灵的美与丑一并展现给世人。也没有人敢于像他那样赤裸裸地描写人类本能的丑恶,使善良与邪恶并存,让美丽与丑陋共存。从艺术风格上看,他的作品经历了自然主义、现实主义、印象派、象征主义、纳比派、分离派到表现主义的发展变化,完成了由表及里,由传统向现代的过渡和转化。无论从思想上,还是艺术表现上都对当时以及以后的表现主义产生了重大影响。

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《 临终(高烧)》

正如蒙克自己所说:“我要描写的是那种触动我心灵和眼睛的线条和色彩。我不是画我所见到的东西,而是画我所经历的东西。”通过人的神经、内心、头脑和眼睛所表现出来的绘画形象就是艺术。艺术史家称蒙克为“世纪末”的艺术家,从艺术思想上看,蒙克的作品反映了十九世纪末到二十世纪初欧洲整整一代人的精神生活面貌。

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老树

父亲在蒙克青年期去世(1889年),另一个兄弟和蒙克最喜欢的姐姐苏菲在1877年也死了。蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断出患有精神病,蒙克自己也是体弱多病。在五个兄弟姐妹中,只有兄弟安德烈结过婚,但婚后不过数月也过世了。眼见双亲和手足接二连三地死去,严重打击了蒙克的精神与情绪,接踵而至的悲伤对其是深度的精神折磨。因此,死亡烙印在他年轻而敏感的心灵深处,这大概就是为什么蒙克的作品呈现压抑且悲观的原因。蒙克在晚年说到:“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使,且持续的伴随我一生。”

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下雨天

青年时期

1879年,蒙克为了成为工程师而进入工学院念书。然而身体的健康不断出现问题,让他中断了学业。1880年蒙克为了成为画家而离开工学院。隔年他考进了奥斯陆皇家艺术和设计学院,他的老师是雕刻家朱利厄斯·米德尔顿(Julius Middelthun),以及自然主义画家克里斯蒂安·克罗格(Christian Krohg)。

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红和白

1885年蒙克前往巴黎,他的作品也展现了自法国画家处所受到的影响。一开始是印象派,接着是后期印象派,然后是新艺术造型。蒙克的绘画尽管风格上是以后期印象派为主,但在主题上却是象征派,其绘画内容在于刻画内心世界,而不是外在现实。

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红色维吉尼亚爬山虎

1892年蒙克应邀参加柏林艺术家联盟在11月份举行的画展,他的绘画也成了争论的主题,为期一周的画展结束后,蒙克待在柏林,成为一个多国人士参与的社交圈其中一员,这个圈子里有作家、艺术家和评论家,包括挪威剧作家亨利克·易卜生(蒙克为易卜生的几个剧本设计布景),以及瑞典戏剧家奥古斯特·斯特林堡。

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玫瑰与阿美莉

1892年至1908年间,蒙克多数时间都在巴黎和柏林度过,他因铜版画、石版画和木版画的表现成就出名了。在世纪之交期间的柏林,蒙克开始用新的素材(照相、石版印刷和木版画),凭著记忆来复制他过去的作品。1908年秋,他的焦虑变得更为深刻,开始在丹尼尔·贾可布逊博士的诊所开始住院接受治疗。医院里施行的休克疗法改变了他的个性。

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分离

1909年,蒙克回到家乡挪威,更多地表现出对大自然的兴趣,他的作品变得更富于色彩,减少了悲观的成分。在纳粹统治期间,蒙克的作品被贴上了“颓废艺术”的标签,从德国的各个美术馆被撤了下来。这对反纳粹主义的蒙克来说是很伤心的,因为他把德国看作第二祖国。。

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春耕

晚年

蒙克在过完80岁生日后一个月的1944年1月23日,于奥斯陆附近的艾可利(Ekely)与世长辞。他捐赠了1000幅油画、15400张版画,4500件素描和水彩画,还有6件雕刻作品给予奥斯陆当局。为了纪念蒙克,当局建造了“蒙克美术馆”(位于Tøyen)。蒙克美术馆是全世界收藏蒙克作品为数最多的美术馆。

位于奥斯陆的国立艺术画廊,收藏了蒙克的一些油画作品。奥斯陆“大陆酒店”(Hotel Continental)里的“Dagligstuen”酒吧则藏有不少蒙克的版画精品。

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裸女

画风

蒙克多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材,用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型,抒发自己的感受和情绪;他的画风是德国和中欧的表现主义形成的前奏。

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星夜

在蒙克的画家生涯中,他多次改变他的艺术风格。在1880年代,蒙克是自然派(比如《汉斯·耶格的肖像》)和新印象派(见《拉法耶特大街》)。 1892年,蒙克树立了具有他自己特征的综合派原始画风(比如《忧郁》),在此色彩成为一种象征,一种具有承载功能的元素(比方说《呐喊》)。1890年代,蒙克倾向于选择景深较浅的作画空间,他经常把画中的人物安置在前台。

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拉法耶特大街 挪威 蒙克

拉法耶特大街注解:这是蒙克的新印象派作品,1891年,在巴黎期间,蒙克与印象派成员多有接触,看印象派作品展,深受印象派影响。这幅作品是在修拉的影响下,用点彩的技法完成的。蒙克站在阳台上,倚栏望着纷繁热闹的拉法耶大街。

蒙克一直想表现人物的内心和心理状态,出现在他画中的人物做出一种能最形象地表现这种状态的姿势(见《灰烬》),这种安排给蒙克的画带来一种好像人物、空气、记忆、动作和时间在一霎那全被凝固了的感觉,那也许正是人物的内心活动达到顶峰的一瞬间。蒙克所画的人物犹如一出舞台剧的各个角色(就像《病室里的死亡》),很可能每一种特定的姿势代表一种特定的情绪,类似于某种身体语言。

由于蒙克所画的人物都承担着表现一种特定心理状态的使命(以《呐喊》为最有名),所以他创造的男人和女人不是现实的。蒙克坚称,印象派并不适合于自己的艺术。蒙克对描写现实的任意一个断面不感兴趣,他所要描写的是那种充满了情绪内涵的,具有巨大的传神力的状态。为了达到这个目的,蒙克殚精竭虑地构思,他的作品创造了紧张的气氛。

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晨曦 挪威 蒙克此画又名《太阳》

晨曦 挪威 蒙克此画又名《太阳》,不幸的是,蒙克还是在1908年精神分裂了。在精神分裂中,他的精神得到了最彻底的解脱。从丹麦的哥本哈根接受治疗回到挪威后,他仍能以很高的热情坚持创作,他为奥斯陆大学讲演厅创作热力四射的巨大壁画《太阳》。也画了一些诸如《扫雪回家》和《工人回家》等纯朴自然的画作,但他作品所表达的东西与发病前彻底不同了,作品变得明亮、宁静而富哲理。这就是美术史学家们所称的"第二时期",从这一时期的作品中我们只能得出一个结论,那就是蒙克内心的痛苦和冲突已经被释放得无影无踪了。画射手座

灰烬 挪威 蒙克

灰烬 解析:蒙克对爱情始终持悲观的态度,他追寻,但没有理想的结局。因此他认为:“我感到我们的爱如同地上的一堆灰烬》。”社会之所以腐败和堕落到这么严重的地步,以致丧失了人的本质,使人成为孤独的个体,是由于人们缺乏精神忘掉自我。生活的偶然性支配着人,人想干什么说不出道理,人能干什么又无把握,人会成为什么样的人都无法预测。因此,在人生的旅途中,人永远不得安宁。1890年代,蒙克倾向于选择景深较浅的作画空间,他经常把画中的人物安置在前台。蒙克一直想表现人物的内心和心理状态,出现在他画中的人物做出一种能最形象地表现这种状态的姿势,这种安排给蒙克的画带来一种好像人物、空气、记忆、动作和时间在一霎那全被凝固了的感觉,那也许正是人物的内心活动达到顶峰的一瞬间。画射手座

病室里的死亡 挪威 蒙克

病室里的死亡 赏析此画又名《在灵床旁》,这是蒙克对心爱的姐姐索菲亚的纪念。画中所有人物是蒙克画画时的年龄相貌,并非姐姐去世时的状况。蒙克希望表现出当前的时空维度,以此证明索菲亚之死一直影响着全家人的生活。蒙克所画的人物犹如一出舞台剧的各个角色,很可能每一种特定的姿势代表一种特定的情绪,类似于某种身体语言。画射手座

青春期 挪威 蒙克作品赏析 151.5x110cm 布上油画 奥斯陆国家美术馆 1894-1895

青春期 挪威 蒙克作品赏析

解析1:

赤裸的女孩坐在白色的床单上,双手拘谨的交叉在身前,眼睛惊恐而暧昧。

"赤裸上身的女子无助地坐在病房里,青春期就像在一间病房,无法信任的医生,不是秘密的秘密,被欺骗与哄骗的真相,还有社会逼你服下的不知由什么东西制成的药片。”

把青春美艳的女人都幻想成是荡妇,“他画中的女人总是在强奸幻想(如在《青春期》中)和作为破坏者的女人幻想之间摆动。”

青春期应该是人生中最活泼开朗的时期,从心理和身体都会发生一系列巨大变化,而蒙克画中的青春期少女身体枯瘦,双手交叉着放在大腿上,羞涩、拘谨、麻木的姿势和表情暗示着她的不幸和忧虑。

这幅画又称之为《夜》,画中描绘了一位未成熟的少女裸像,她惊恐不安地注视着渺茫的前方,侧光从右下方照射,将她的身影投在沉沉的夜色背景上,更增加了画面的恐怖气氛。从蒙克的人体造型可见他具有很高的写实技巧,这得益于他早年师从的自然主义老师克罗洛。

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解析2:

《青春期》是蒙克画的一幅布面油画,描绘的是半夜来了第一次月经,身体不由颤抖的少女,像是要保护自己似地两腿紧闭,双手放在前方。莫名其妙的不安突然袭击着少女,那不是对月经初潮本身的恐惧,而是对今后要开始迈入的人生感到不安。映在墙上的不吉祥的影子在暗示对未来的不安。蒙克初次画这个主题是在一八八六年,他当是只有二十三岁,但他以敏锐的洞察力,画出青春期少女的内心世界。

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爱德华·蒙克《玛多娜》

玛多娜是蒙克的系列作品之一,“玛多娜”即“美女”之意。在性的恍惚瞬间,女人双目紧闭、嘴微张。蒙克说:“这是身体的微笑,生命将要向死亡伸手。”蒙克企图以此作品,来揭示经由爱的行为而孕育了生命的女人,是新生代与走向死亡时代的连接点。

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爱德华·蒙克 《生命之舞》

《生命之舞》可以说是蒙克具有代表性的系列油画“人生壁画”之大成。

夏至的节日里,人们在海边聚会。画面前方三个女性,一个是是穿着白色衣服的处女,她正因期待恋爱而感到兴奋,另一个是沉溺于恋爱的红衣妓女,最后是为恋爱而憔悴的黑衣妓女。在她们的后面,是沉溺于肉欲、疯狂舞蹈的男女。蒙克在《生命之舞》这幅油画里表现[圣女、娼妇、同时又是不幸的献身者的女人]。在油画《生命之舞》中,蒙克把一个女人的恋爱变化集中表现在同一幅画面中。

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呐喊

波浪状血红的云,回旋的海湾,挤压变形的脑袋,将人们推入恐惧的深渊,发出震撼宇宙的尖叫和呐喊。

蒙克完成于1893年的代表作《呐喊》举世闻名,关于这幅作品,蒙克自己有一段记述:“我和两个朋友一起去散步,太阳快要落山时,突然间,天空变得血一样的红,一阵忧伤涌上心头,我呆呆地伫立在栏杆旁。深蓝色的海湾和城市,是血与火的空间,朋友相继前行,我独自站在那里,突然感到不可名状的恐怖和战栗,我觉得大自然中仿佛传来一声震撼宇宙的呐喊……于是我画了这幅画,将云彩画得像真正的鲜血,让色彩去吼叫。”

蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样,都是通过自身体验才画出的,他不是为了艺术而艺术,他所表达的只是有关他自己的忧郁和不安。这就是他的创作的原动力所在,蒙克正是通过创作才打开了自己幽闭着的情感通道,在不自觉中泄露了自己无意识的情感,使内心产生的巨大精神能量得以渲泄。正如弗洛依德相信梦能使紧张在某种程度上缓解一样,通过艺术来表达情感可以使他自己达到一种较为平和的状态。倘若不是通过大量的创作来表达自己,那他也许早就像其妹妹一样过早地精神崩溃了。

1889年父亲去世后,蒙克的精神更是无法寄托,性格变得忧郁而孤僻、孤独、绝望、死亡等感觉深深地困扰着年轻的蒙克,到了非表达不可的程度。他要呐喊,他要画出活生生的人们,以及他们的呼吸、感觉和受苦受难。在这一时期,他画出了他最重要的作品《呐喊》。画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来,远景是海湾和落日景象,天空像滚动着的血红色波浪,令人感到震颤和恐怖,仿佛整个自然都在流血。

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挪威 蒙克 呐喊 纸上粉笔 纵91×横73.5厘米 奥斯陆国家美术馆藏

挪威 蒙克 呐喊 赏析

波浪状血红的云,回旋的海湾,挤压变形的脑袋,将人们推入恐惧的深渊,发出震撼宇宙的尖叫和呐喊。

蒙克完成于1893年的代表作《呐喊》举世闻名,关于这幅作品,蒙克自己有一段记述:“我和两个朋友一起去散步,太阳快要落山时,突然间,天空变得血一样的红,一阵忧伤涌上心头,我呆呆地伫立在栏杆旁。深蓝色的海湾和城市,是血与火的空间,朋友相继前行,我独自站在那里,突然感到不可名状的恐怖和战栗,我觉得大自然中仿佛传来一声震撼宇宙的呐喊……于是我画了这幅画,将云彩画得像真正的鲜血,让色彩去吼叫。”

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呐喊

蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样,都是通过自身体验才画出的,他不是为了艺术而艺术,他所表达的只是有关他自己的忧郁和不安。这就是他的创作的原动力所在,蒙克正是通过创作才打开了自己幽闭着的情感通道,在不自觉中泄露了自己无意识的情感,使内心产生的巨大精神能量得以渲泄。正如弗洛依德相信梦能使紧张在某种程度上缓解一样,通过艺术来表达情感可以使他自己达到一种较为平和的状态。倘若不是通过大量的创作来表达自己,那他也许早就像其妹妹一样过早地精神崩溃了。

1889年父亲去世后,蒙克的精神更是无法寄托,性格变得忧郁而孤僻、孤独、绝望、死亡等感觉深深地困扰着年轻的蒙克,到了非表达不可的程度。他要呐喊,他要画出活生生的人们,以及他们的呼吸、感觉和受苦受难。在这一时期,他画出了他最重要的作品《呐喊》。画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来,远景是海湾和落日景象,天空像滚动着的血红色波浪,令人感到震颤和恐怖,仿佛整个自然都在流血。

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配图 觉醒

蒙克以现实生活为依据,凭借个人的家庭经历与朋友的遭遇,选择用象征和隐喻手法,揭示了“世纪末”人的 忧虑与恐惧,这幅《呐喊》便是组画中最负盛名的代表作。关于这幅作品的创作过程,画家曾记述道:“一天傍晚, 我和两个朋友一起散步。太阳下山了,突然间,天空变得血一样的红。在灰蓝色的峡湾和城市上空,我看到了血红 的火光。我的朋友走过去了,只剩下我一个人。我在恐怖中战栗起来,似乎感到大自然中传来一声震撼宇宙的呐喊。 于是我画了这幅画,并把云彩画得血一样红。”此画描绘一个面容近于骷髅的人物,双手捂着耳朵,站在一条看不 到头尾的公路桥上,似乎受到惊吓而大声狂喊。画家用近似版画的方式,把红、蓝、绿、赭等色线,组成流动的河 水与天空的形象。这些线条像浮在油上的色渍,变成蠕动的蛇虫,给人以强烈的不安感。这种景象只能在恶梦中看 到,它象征“世纪末”时代人们的彷徨心理。

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沐浴1

由于蒙克所画的人物都承担着表现一种特定心理状态的使命,就如同《呐喊》那样宣泄出来,所以他创造的男人和女人不是现实的,只是具有某种象征意义,暗示着人类普遍的生、死、爱、焦虑、苦闷、彷徨、张狂等生理状态和生理情绪。

从表现手法看,《呐喊》是典型的表现主义风格,画面上红黑色彩的强烈对比,让人头晕目眩。而扭曲的造型也运用得淋漓尽致,云彩的形状不是正常的块状而是波浪的流水形;画上的人物更是彻底变了形,是骷髅,是尸体,是幽灵。正是通过这一切夸张扭曲的变形,强烈炫目的色彩对比,把人物内心想要表达的情绪渲染得入木三分,达到了画家的创作目的。

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沐浴2

在这幅画上,蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天,都被夸张得富于表现性,但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的:浓重的血红色悬浮在地平线上方,给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突;这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色,重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部,则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。

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配图 手

画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线,与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中,充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受,把凄惨的尖叫变成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法,或许可以与梵高的名作《星夜》中力与能量的图像化表现相联系。蒙克在这里,将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑,转化为一种令人信服的抽象意象。如此,他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。

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临终

画中颜料像熔岩一样,四下疯狂流动。在画布上,画笔都跟不上颜料,不知道该往哪里奔跑或是寻求庇护。天空中充满红色,看来如此沉重,对于下面的场景来说,似乎天空即将冲压下来,像一大块黏黏糊糊的东西。那已经不再只是一片天空了。

我们不能聆听,不能听正在发生什么。我们必须尖叫,直到天空停止,直到它不再威胁我们。我们必须堵住耳朵然后大叫,直到变成聋子,好让一切消失。直到这一切只是一场噩梦。

桥的橘红色扶手像一把利刃,将画剖开。换一天,我们可能会觉得:跟着这个扶手漂亮的笔直线条,我们能一直走到地平线。这是一次安静的散步,风景中平淡无奇,延伸到远处,宁静广大。我们对这条路了如指掌。

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绝望

今天,这桥没有尽头。我们无法想起它从哪里开始,也不知道我们何时到达这里。要想找回来路,该走哪个方向?为什么要来这里?之前一切发生变化时,我们那时要往哪里去?

在风景变得完全认不出来之前,我们要赶紧离开。但是地面在快速崩溃。画笔上蘸满了粉蜡笔颜料,像肥皂一般光滑。黄色和红色的线条想要笨拙地在表面画出它们能画的一切。厚木板,或者是灯光的反光?在桥上方,蓝色如此强烈,摧毁了所有距离感。视角降得很低,离我们如此之近,以至于要变成一堵墙。恐惧僵住我们的双腿,这幅画也是。

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晨曦

他两手举着头,缩在一起。他把脸挤在画布上,就像挤在玻璃窗格中。这幅画如同一个紧紧关闭的窗户,再也不能打开。没有人在听。男人的身体仿佛风中的一叶草,被吹得前后摇动。颜色无法让他稳定下来。一根棕色的线条轻轻舔他,但是没有用。他的身体没有固定的形状。

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死去的母亲

我们绝望地想要找到某些理性原因,某个可以接受的借口,用来解释发生的事情。一次自然灾害,某些浪漫主义画家喜欢描绘的灾祸:沉船或其他灾难,迫使人要面对自然力。某次血红的落日,这已足以让英雄看着混乱的世界,投下关心的一瞥,这也是为了更宏伟的目标。这些战役不确定的结果无法贬低它们的伟大,但却教会我们:令人不安的图像对我们的诱惑,就像它展示出的东西而想要表达的承诺一样多。

红色的天空没有任何热度。扎眼的橘红色与大地接触,变成冰,在眼力所及之处,将地平线撕开。

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疼痛之花

站在这里的男人马上就要失去自我。这阵令画面紧张的风,吹走了一切,使得他的身份难以辨识,我们无法与他打招呼、谈话,也无法接近、触碰他,总之,他已不再是一个人。他谁都不是。剩下的五官难以构成一个面具。他看上去像具尸体,嘴里充满颜料,已经满是泥土。他的眼睛被擦去了,或是被胶水黏住。他比看不见还要糟糕:出现在这里,却被夺去了所有的存在感。

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爱德华·蒙克 《巴黎裸女》3

如果他两手把双颊按得再紧点,发绿的头颅也许就会完全消失,就像用来制陶的粘土,改变形状。这姿势就等于致命一击。那时,他剩下的,就是一堆紧缩在在一起的、毫无生气的东西,就像某个穷困潦倒的雕塑家的作品。这个男人是一个囚徒。世界将他吸收,消化,然后又把他吐了出来。

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爱德华·蒙克 《巴黎裸女》2

他看到的无法用语言表达。他无法让别人听到,从他贫瘠的外形和吸入的泥沼般的空虚中,可以看出这一点。蒙克的构图力求简洁,吝于使用元素,而且只保留少数几种形状,这些形状充满流动感,令观者难以找到凝固之感。这正是蒙克选择它们的原因。现实像海潮一样退去。剩下的只有焦虑感,存在他两手之间的空洞之中。

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挪威 蒙克布 病中的孩子

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挪威 蒙克布 病中的孩子 布上油画 纵119.5×横118.5厘米 奥斯陆国家美术馆藏

挪威 蒙克布 病中的孩子 赏析

这幅画是蒙克童年时代对家庭痛苦遭遇的一个回忆。此画描绘了他那年仅15 岁的姐姐索菲亚患病的情景,肺 病将夺去她的生命,她消瘦而脸色苍白,还未脱尽童稚的气质。这个难以磨灭的印象深深地埋藏在蒙克的记忆里。 画面油彩用得狂放、随意,看上去像一幅草稿。整幅画面色调灰暗低沉,悲剧气氛浓烈。当它在挪威全国年度画展 上展出时,受到保守势力的攻击。蒙克不得不换用学院派技法,再画了一幅变体画,改名为《春》,竟获得了国家 奖学金,并去巴黎留学。

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蒙克26岁时说过:”我要描绘那些在生存、在感受、在痛苦、在恋爱的活生生的人们。”所以有人说他是”近代描绘人类心灵的肖像画家”。

蒙克童年时母亲和姐姐都相继死于肺病,后来父亲和一个弟弟又不幸去世,妹妹患了精神病,这种家庭悲剧使蒙克心灵创伤太深,影响着他艺术思想的发展。关于这幅画他说过:”我以《病中的孩子》开辟了新路,它成为我艺术中一次突进,我其后的大部分作品的产生都归功于这幅画。”画家企图探索人们对病与死的感觉,为了真切地揭示主题,他曾与父亲一起去探视病人,观察病人的神态。

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在这幅画中的母亲,在为孩子的不幸而内心绝望和悲哀。空荡荡的室内,别无他物,这更增加了死亡迫近的凄凉气氛。这件作品以深刻的形象语言传达了人的内在精神世界。

这是蒙克所有的画作中首次暴露其意识的作品。和他青年时期制作的作品一样,蒙克绘画的是自己亲身经历的情况。他描绘了虚弱的患者难过的样子,整个屋子都被黑暗包围着。

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